#МебельвИскусстве — интерьеры и мебель в картинах художников. Часть 3
На страницах iB Gallery мы продолжаем вести специальную рубрику о произведениях искусства разных эпох, на которых изображены предметы мебели, под хэштегом #МебельвИскусстве. Представляем вашему вниманию третью часть подборки художественных находок, в которой мы рассмотрели творчество французских живописцев конца XIX и начала XX века.
Группа «Наби»
«Наби́» — французская художественная группа, основанная Полем Серюзье, которая существовала в Париже в 1890–1905 годах. Название было предложено поэтом Анри Казалисом, и означает «пророк», «избранный». Набиды, наравне с импрессионистами, представляли одно из главных направлений искусства конца XIX — начала XX веков. В группу входили Морис Дени, Пьер Боннар, Поль Рансон, Феликс Валлотон, Кер-Ксавье Руссель, Жан Эдуар Вюйар, Поль Серюзье и другие.
Художники создали свой вариант стиля «модерн» под влиянием работ Поля Гогена и понт-авенской школы. Их творчество символично, в нем главенствует цвет, декоративная обобщенность форм, прихотливая изогнутость контуров, мягкий ритм. В картинах угадываются мотивы французского народного искусства, японской гравюры и итальянских примитивистов. Набиды признавали мистическую роль художника как посредника, раскрывающего невидимое.
Жан Эдуар Вюйар (Edouard Vuillard, 1868-1940) — французский художник, представитель символизма и модерна, чей мир чарует цветом и прихотливостью форм.
На фото: «Дэвид Дэвид-Вайль» 1925, 92×82.5 см, «Мадам Морис Ганже и ее сын Филипп» 1920-е, 87×79.5 см.
Застенчивый и склонный к постоянной рефлексии, Эдуар любил быть дома. Для него дом — место, где можно укрыться, подумать, восстановить силы, быть собой. Позже он скажет: «Я не пишу портреты, я пишу людей в их домах». Лучшие его работы будут сосредоточены на деталях интерьера не меньше, а иногда намеренно больше, чем на чертах лиц главных фигур.
Дом человека — это его продолжение и красноречивое воплощение характера и мировоззрения.
На фото: «Месье и мадам Фейдо на диване» 1901, 46×78 см.
Арт-критик The Guardian Джонатан Джонс называет Вюйара «Гогеном, который остался дома». Свою экзотику и «свою Полинезию» Вюйар находит в Париже — в прекрасных домах богатых, свободомыслящих, красивых людей. В том мире, который до сих пор был недоступен скромному сыну швеи.
На фото: «Ивонн Пронтомп в кресле» 1921, 129.9×96.9 см, «Марселла Арон (мадам Тристан Бернард)» 1914, 181.3×156.5 см.
Внимание Вюйара привлекают цвет платья модели, общий колорит интерьера, тени на скатерти, орнамент занавесей и ковров, картины на стенах... Вещи изображены не в качестве «знаков» профессии или символов общественной роли, а как эстетически самоценные формы.
На фото: «Солнечный интерьер (Залитая солнцем комната)» 1921, 83.2×63.8 см, «Белая комната. На софе» 1893, 32×38 см.
Американский художник и арт-критик Фаирфилд Портер сказал однажды, что современное искусство ошибочно свернуло не в ту сторону, когда последовало за Сезанном, а не за Вюйаром. Имелась в виду способность Вюйара разжигать тонкие психологические драмы и намекать на многоуровневые социальные и личные отношения внутри картины при помощи живописных средств.
Все эти лампы, шторы, скатерти, обивка и ковры настолько заполняют пространство картины, что человек растворяется в нем и становится его частью.
На фото: «Золотое кресло» 1906, 68×66.5 см, «В будуаре» 1931, 88×79.5 см.
Из этих комнат будто выкачали воздух, и узоры с обоев начали перемещаться на освободившееся место. Иногда фигура героя запрятана в этом мире так настойчиво, что ее сложно заметить с первого взгляда. Фигура сливается с внутренним убранством комнаты.
На фото: «Маргарита Чапин с собакой в своей гостиной» 1910, 59×73.6 см.
В небольшой картине «В комнате» Вюйар трактует интерьер как одушевленную среду, с которой неразрывно связано человеческое существование. Художник открывает поэтическое начало в обыденной жизни. Кажется, ни одна подробность быта не ускользает от его внимания. Воссоздавая перегруженный интерьер своего времени, Вюйар достигает живописного единства, в котором каждый предмет, фигуры людей становятся элементами изысканного орнаментального узора. Узор обивки мебели, рисунок обоев и драпировок находят продолжение в летнем саду за окном. Изображая детали Вюйар умело избегает сухости и дробности, объединяя их в мягкий цветовой аккорд, что вызывает в памяти средневековые французские гобелены.
На фото: «В комнате» 1904, 50×77 см.
На картине выше женщина за рукоделием почти выпадает за пределы картины, и все же находится в центре внимания. Мужчина с ребенком заняты каким-то повседневным делом или игрой. Всем композиционно отводится немного места в насыщенном интерьере. Их социальные и семейные роли расписаны и отыграны. Вюйару удается ритмично организовать пестрые обивки и драпировки, вид из окна и отражение в зеркале. В картине отдельные элементы перекликаются и звучат гармонично, тихо и слаженно. Дом укрывает хозяев в удобной, богатой привычности.
Художников Вюйара и Боннара, которые делили мастерскую у подножия Монмартра, критики называют наби-интимисты. Их почти не интересовали духовные поиски и мистика, классическое искусство и живописная традиция. Как, впрочем, и экзотика далеких островов, за которой отправился Гоген. Их сюжеты — близкие женщины за рукоделием в декоративных интерьерах, тихие спальни, нежащиеся и играющие дети. Вюйар и Боннар смогли сделать мир художника и мир зрителя равными и близкими.
Пьер Боннар (Pierre Bonnard; 1867-1947) — французский живописец и график, вошедший в историю искусства как один из величайших колористов XX века. Художник мягких, приглушённых тонов и отношений, Боннар одним из первых открыл внутреннюю или даже интимную жизнь женщины.
На фото: «Дама с собачкой в ванне» 1941-46, 121.9×151.1 см.
На картине выше женское тело кажется растворившимся в сосуде, а простая комната заполнена магическим светом, разложенным на искрящуюся мозаику.
На фото: «В лучах солнца» 1908, 125×109 см, «Женщина возле стола» 1931, 104×153 см.
Боннар не «подсматривал» за женской наготой, подобно своим коллегам, и, хотя сцены в его полотнах предельно откровенны, в них больше ощущается присутствие «официальных» отношений мужчины и женщины.
На фото: «Девочка с котом» 1897, «Портрет Миси Годебской» 1908, 145×114 см.
В молодости Боннар возглавлял группу художников «Наби». Он писал интерьеры, средиземноморские и парижские пейзажи, бытовые сценки. Под конец жизни Боннар обратился к насыщенным цветовым сочетаниям, создавая изысканные красочные композиции.
На фото: «Столовая» 1916, 95×145 см.
В конце IXX века художники пытались выхватить фрагмент во всей его незавершенности и неоформленности из общего потока жизни. Остановившись перед невозможностью передачи жизни во всей полноте, искусство пробовало пути к символическому выражению. Отсюда — перенесение акцента с предмета на впечатление и память о нем, погоня за ускользающей реальностью.
На фото: «Столовая в деревне» 1913, 161×203 см.
В психологии конца века возникло представление о подсознательном — особой, глубинной сфере психики. Стремление проникнуть в область сверхчувственного проявлялось во всех сферах искусства. Художник-символист старался не называть предметы и чувства, а «вызывать» их посредством намеков. В живописи «Наби» особое значение придавали единству форм и цветов, передающих душевное состояние художника.
На фото: «Лампа» 1899, 54×70 см.
Неоимпрессионизм
Поль Синьяк (Paul Signac, 1863-1935) — французский художник, представитель неоимпрессионизма и пуантилизма. В начале творческого пути его вдохновляли работы импрессионистов, что значительно повлияло на дальнейшее становление его стиля.
Пуантилисты создают картину точками выразительных цветов и не смешивают краски, что позволяет изобразить сюжет в декоративной и ясной манере. Картина «оживает» и начинает переливаться чистыми и тщательно подобранными краскам. Пуантилистская манера зачастую создает эффект остановившегося времени.
Концентрация и неподвижность, присутствующие в работе «Женщина при свете лампы», исключительны для масляных этюдов Синьяка, и появляются благодаря эффекту искусственного освещения, повышающего контраст между светом и тенью. Техника разделения цветов выполнена смело и наглядно.
На фото: «Модистка» 1885, 81×100 см, «Женщина при свете лампы» 1890, 24,5×15 см.
Отчуждение — пожалуй, основное качество, характеризующее отношения между объектами на картине Синьяка. Причем речь не только о людях, разделены даже предметы на столе. Графин, сахарница, тарелки, чашка, салфетка не соединяются в ансамбль, а существуют отдельно друг от друга. Картина Синьяка статичная, четко структурированная. Она оставляет довольно тягостное, гнетущее впечатление:
На фото: «Завтрак» (или «Столовая) 1886-87, 89×115 см.
Хорошие отношения сложились у Синьяка и с фовистами, особенно с Матиссом и Марке, и с художниками группы «Наби». Легкий характер художника делал открытым даже его творческий процесс. К нему в мастерскую могли в любой момент войти родные и друзья. Писатель Вайян-Кутюрье сказал о нем: «Синьяк любил искусство, человечество и море».
На фото: «Воскресенье» 1888-1890, 150×150 см, «Женщина, закалывающая волосы» (Женщина за туалетом в фиолетовом корсете) 1892.
Набиды пересмотрели отношения между ощущением и воображением в попытке сделать современное искусство более жизнеспособным. Они задумывались об искусстве как части жизненного пространства, синтезируя современность с традицией. В творчестве набидов проявились характерные черты стиля модерн: плоскостность форм, декоративность цвета, гармония ритмов. У русских коллекционеров рано возник интерес к творчеству членов группы. Их полотна приобретали Щукин и Морозов. Именно благодаря им, сегодняшние коллекции Эрмитажа и ГМИИ им. А. С. Пушкина обладают превосходными картинами Боннара, Вюйяра и Дени.
Теги: искусство, живопись, art, мебель в искусстве, Цветочный орнамент, Боннар, Вюйяр, Синьяк, Наби, орнамент
